Giornata mondiale della fotografia

La ragazza afghana, il bambino di Nagasaki, il corpo senza vita di Federico Aldrovandi, Christopher McCandless davanti al Magic Bus in Alaska, Ruby Bridges al suo primo giorno di scuola, il bambino africano e l'avvoltoio alle sue spalle, il clown killer che ha ispirato Stephen King, la prima donna alla maratona di Boston, il soldato giapponese che non credeva alla fine della guerra, il monaco buddista che si diede fuoco per l'uguaglianza religiosa. Roberto Vitale, autore della pagina "Le foto che hanno segnato un'epoca", racconta le indimenticabili, drammatiche, immortali storie che si nascondono dietro gli scatti che oggi fanno parte della nostra memoria.

Onnipresente, la ritrattistica fotografica ha sempre svolto molteplici funzioni: dall'identificazione pratica alla categorizzazione tipologica, dalla narrazione al ritratto personale e intimo. Con un approccio nuovo, Volti nel tempo esplora questa vasta gamma di applicazioni - dalla fotografia d'arte all'antropologia, alla moda e al cinema - e i diversi modi in cui potremmo interpretare un ritratto, dalle foto segnaletiche alle fotografie patinate delle riviste. Completo, esaustivo e riccamente illustrato, il volume tocca campi diversi: arte, moda, pubblicità, fotografia documentaria e privata. All'interno degli otto capitoli tematici, l'autore prende in considerazione più di 150 anni di storia della fotografia, dal dagherrotipo all'era digitale: dai pionieri del XIX secolo Hippolyte Bayard e Julia Margaret Cameron ai maestri del XX secolo Edward Weston, Lee Miller e Richard Avedon, fino agli innovatori contemporanei Newsha Tavakolian, Rineke Dijkstra e Zanele Muholi. A famosi ritratti di grandi personalità, Prodger affianca delle perle viste raramente, per raccontare la storia di uno degli obiettivi più comuni della fotografia: noi stessi.

Saper raccontare una storia attraverso i propri scatti è fondamentale per ogni fotografo. In questo volume Sara Munari spiega come parlare attraverso le fotografie e costruire una narrazione chiara e coinvolgente. Partendo dall'analisi degli aspetti visuali e narrativi che compongono uno scatto, si passa alle modalità di lettura e interpretazione delle immagini, per comprenderne linguaggi ed estetica. Si procede poi alla progettazione del racconto, alla scelta del genere, del tema, del soggetto, per passare alla sua costruzione, attraverso il photoediting, la selezione e la concatenazione narrativa delle immagini. Vengono infine illustrate le diverse modalità di presentazione e pubblicazione del progetto finito. Una guida ricca di spunti e consigli, adatta a tutti coloro che voglio imparare i segreti dello storytelling fotografico.

In oltre 12 anni di esperienza come formatori e influencer sul tema della fotografia, una delle domande più frequenti che ci è stata posta è: perché non fate un libro che racchiuda il meglio dei vostri corsi? Da qui è nata l'idea di questo viaggio in 52 tutorial, che si pone l'obiettivo di far migliorare sia la tecnica che la consapevolezza fotografica. Ogni lezione si focalizza su un singolo aspetto, sia esso di teoria, di uso degli strumenti o di progettualità, e assegna alcuni esercizi pratici da provare "sul campo". Potrete così notare fin da subito i vostri progressi e mantenere alta la motivazione per affrontare il capitolo successivo con curiosità, entusiasmo e ancora più voglia di imparare.

In questo libro il fotografo David Ulrich condensa la sua quarantennale esperienza di docente e offre a chi ama catturare immagini, una serie di lezioni e brevi saggi dedicati alla fotografia in relazione alla mindfulness, alla crescita personale e alla creatività. Si va dal conoscere il variare della luce nel corso della giornata e delle stagioni al gestire spazio, prospettiva e profondità, dal cogliere l'istante decisivo al sapere quando non scattare, dall'apprendere come comunicare con le immagini al conoscere se stessi e il mondo attraverso l'atto di fotografare. Lezione dopo lezione, attraverso riflessioni, consigli, esempi ed esercizi il lettore impara a migliorare gli scatti, il workflow e le capacità espressive e di osservazione. I 55 capitoli possono essere letti uno dopo l'altro, oppure seguendo l'ordine che si preferisce, lasciandosi catturare dalle immagini e dai temi trattati. Una lettura ricca di spunti e suggestioni per coloro che vogliono trovare o perfezionare il proprio stile, esprimere il proprio potenziale e, in definitiva, diventare fotografi migliori, più creativi e consapevoli.

Amico dei più grandi artisti italiani del dopoguerra, fotografo e artista egli stesso, capace come nessun altro di interpretare con acutezza e profondità i lavori dei maestri prediletti (da Lucio Fontana a Michelangelo Pistoletto), Ugo Mulas (1928-1973) non è mai stato presentato da una monografia di questo livello. Dagli esordi alla Biennale d’arte di Venezia al bar Jamaica di Brera a Milano. Le prime esperienze con il design, la moda e Mila Schön; il mondo del teatro con Strehler e il Festival di Spoleto; l’amicizia con Marcel Duchamp e Lucio Fontana; l’immenso reportage dedicato agli artisti Frank Stella, Roy Lichtenstein, Jasper Johns, Robert Rauschenberg e molti altri. Il mondo della cultura e della letteratura, la sua vicinanza a Eugenio Montale e le sue immagini per Ossi di seppia. Non da meno il suo contributo al mondo dell’industria, della produzione e del lavoro con gli scatti per Olivetti, Pirelli, Bormioli e su un tessuto industriale meno noto ma estremamente importante nell’Italia del boom economico. I grandi viaggi nelle città italiane e in giro per mondo (gli Stati Uniti, la Russia, la Danimarca e, naturalmente, Venezia).

Sessant'anni di carriera del noto fotografo contemporaneo, in occasione dei suoi ottant'anni Pubblicato per gli ottant'anni del grande fotografo e in occasione della più importante esposizione mai dedicatagli in Italia, Oliviero Toscani. Professione fotografo mette in evidenza l'incredibile talento artistico di Toscani e il suo linguaggio capace di contaminare mondi e codici, per dare ancora più risalto a tematiche sociali quali l'uguaglianza tra le diverse etnie, la guerra, la lotta all'omofobia, la sensibilizzazione all'AIDS. Ogni suo scatto offre innumerevoli spunti di riflessione sulla società, sull'umanità, sulla cultura, e sta proprio in questo la forza potente della sua fotografia: la capacità di rappresentare in una sintesi estrema una visione del mondo, un problema, una questione che interroga il nostro modo di interpretare ciò che accade. Introdotto dai saggi di Nicolas Ballario, Luca Beatrice e Susanna Crisanti, Oliviero Toscani. Professione fotografo riunisce oltre 400 scatti realizzati da Toscani dai primi anni '60 ad oggi: immagini iconiche e opere meno conosciute che lo hanno reso noto e riconoscibile in tutto il mondo e che raccontano la carriera di un uomo dallo sguardo geniale e provocatorio che negli anni ha influenzato i costumi di diverse generazioni e fatto discutere il mondo sui temi più disparati. Nicolas Ballario si occupa di arte contemporanea applicata ai media. I suoi natali professionali sono nella factory di Oliviero Toscani "La Sterpaia", della quale diventerà responsabile culturale. Ha collaborato con le più importanti istituzioni artistiche e con numerose testate. Attualmente è autore e conduttore dei programmi di arte contemporanea di Radio Uno Rai e collabora con i magazine Rolling Stone, Living del Corriere della Sera e Il Giornale dell'Arte. Con Skira ha pubblicato Inter 110 noi siamo fratelli del mondo. 1908-2018 (2018) e Oliviero Toscani. Duecento anni Sigaro Toscano (2018).

La fotografia d'architettura racconta forme, linee e aspetto di edifi ci e strutture meglio di qualsiasi altro mezzo. Sempre più architetti, interior designer e professionisti del settore immobiliare stanno scoprendo le opportunità che questo affascinante genere fotografico offre per presentare e promuovere il loro lavoro. Quali sono gli ingredienti per realizzare uno scatto architettonico di successo? Questo libro risponde alla domanda offrendo una panoramica completa del mondo della fotografia d'architettura. Si va dalla scelta dell'attrezzatura all'analisi di tecniche di composizione e scatto, passando per lo studio della luce, l'utilizzo di filtri e accessori fino agli strumenti di postproduzione delle immagini. Una guida efficace, ricca di esempi da cui prendere spunto, adatta sia agli aspiranti fotografi interessati a muovere i primi passi sia ai professionisti che vogliono migliorare le proprie conoscenze e capacità, ma non solo: anche architetti e designer vi troveranno un'utile fonte di ispirazione per il proprio lavoro.

Catalogo della mostra di Milano al Mudec Photo dal 11 novembre 2022 al 19 marzo 2023. In questa mostra e nel catalogo che l'accompagna, vediamo la profonda verità umana degli eventi che Capa ha documentato. Qui abbiamo la quintessenza del lavoro di Capa. Anche in piena guerra, la sua macchina fotografica ha registrato pochi cadaveri o atrocità. Capa si preoccupava soprattutto dei vivi, non dei morti. Il suo vero soggetto come fotografo di guerra era il trionfo dello spirito umano anche sulle più terribili avversità, sebbene abbia realizzato anche immagini di persone il cui destino è stato tragicamente spezzato dalle loro sofferenze.

Per circa cinquant'anni Letizia Battaglia ha fotografato, osservato e vissuto intensamente il suo tempo e soprattutto la sua città, Palermo. Letizia Battaglia sono io è un omaggio al suo lavoro, al suo sguardo intenso e nuovo, alla sua ansia di libertà e al suo essere sempre una donna controcorrente. Accompagnate da un lungo testo di Paolo Falcone, curatore del volume e della mostra omonima, da un contributo di Roberto Andò e una testimonianza di Giosuè Calaciura, le immagini si rincorrono nel volume in una sequenza unica e formidabile dove, come scrive Paolo Falcone, «Fotografia e vita quotidiana confluiscono in un unico percorso che mette in luce la straordinaria sensibilità visiva, il coraggio di essere a distanza di un cazzotto o di una carezza per conquistare l'immagine, spesso ottenuta in contesti estremi ma sempre piena di dignità». Perché, come ricorda Giosuè Calaciura, «Letizia Battaglia per dovere di cronaca e per il dono del suo sguardo è tra i pochi ad avere intuito che la cupa commedia umana di Palermo non riguarda soltanto Palermo». Il catalogo esce in contemporanea con la grande mostra monografica inaugurata al Palazzo Ducale di Genova il 28 aprile 2023.

Oltre sessant'anni di carriera di uno dei grandi maestri della fotografia del Novecento Un omaggio a Richard Avedon (1923-2004), il fotografo statunitense che ha legato il suo nome e i suoi scatti a riviste iconiche come Harper's Bazaar, Vogue e The New Yorker. Celebre ritrattista, Avedon fu tra i primi padri della fotografia di moda di cui rivoluzionò lo stile quando, già dal 1945, tralasciò le pose statiche per collocare le modelle in ambientazioni reali. Quelle di Avedon sono immagini quasi cinematografiche che portano chi le osserva a immaginare i racconti e le storie che sembrano evocare. Davanti all'obiettivo di Avedon non sono transitate solo le modelle più famose dell'epoca, ma anche una ricca compagine di personaggi tra i quali attori, danzatori, celebrità, artisti, musicisti, scrittori, attivisti per i diritti civili, fino ai capi di stato. Inoltre, non di rado il medesimo soggetto veniva ritratto più volte e in periodi diversi, creando vere e proprie relazioni fotografiche che rivelano aspetti differenti sia della persona ritratta, sia del suo rapporto con il fotografo. Realizzato in collaborazione con il Center for Creative Photography e la Richard Avedon Foundation (con main partner Versace e media partner Vogue Italia), Richard Avedon. Relationships presenta oltre cento fotografie di moda e ritratti iconici, appartenenti alla vasta collezione del Center for Creative Photography: dagli artisti Jasper Johns, Andy Warhol e Louise Nevelson a Ezra Pound e Truman Capote, da John Ford e Michelangelo Antonioni a Humphrey Bogart e Marilyn Monroe, da Jimmy Carter e George Bush a Malcom X e Kofi Annan, da Bob Dylan, John Lennon e Paul McCartney alle modelle Dovima, Veruschka e Linda Evangelista. Da questi straordinari ritratti emerge la capacità di Avedon di catturare espressioni del volto, gesti del corpo, momenti, cambiamenti, stili e tensioni che hanno attraversato la nostra società. Qualità messe ancora più in evidenza dai ritratti in bianconero che lo hanno reso celebre. Queste foto, dove sono riprese personalità che hanno segnato la storia del Novecento, modelle o persone comuni, regalano emozioni a ogni sguardo curioso sull'uomo.

Regista, fotografo e alpinista di fama mondiale, Jimmy Chin va dove sa di poter catturare momenti unici, in condizioni estreme. "There and Back" documenta vent'anni di spedizioni in tutti i continenti, dall'Everest sugli sci, alla traversata in solitaria in alta quota della regione del Chang Tang in Tibet, alla salita del massiccio dell'Ennedi nel Ciad sahariano, alla traversata della Terra della regina Maud in Antartide. Nel Corso del libro Jimmy Chin svela come è riuscito a scattare le fotografe in condizioni impossibili e raccontala storia degli alpinisti e atleti leggendari che ha seguito, fra cui Alex Honnold, protagonista del suo Free Solo. "There and Back" è un libro di immagini incredibili, accompagnate da storie altrettanto eccezionali, del raggiungimento di obiettivi considerati impossibili, di amicizie cementate da una fiducia assoluta di chi sa che la propria vita è nelle proprie manie e in quelle del compagno di cordata.

Riunite per la prima volta, quattro serie di uno dei maggiori esponenti della staged photography. La prima monografia italiana sull'artista Nel corso degli ultimi trent'anni, Gregory Crewdson ha composto un ritratto della Middle America, un'America dagli occhi sgranati sulle luci di un sogno evanescente. Le sue fotografie, messe in scena facendo ricorso ai mezzi propri del cinema, hanno legato insieme i frammenti di un mondo crepuscolare. Questo libro riunisce le tre serie concepite tra il 2012 e il 2022: Cathedral of the Pines (2012-2014), An Eclipse of Moths (2018-2019) ed Eveningside (2021-2022). Pensate come una trilogia, esse offrono una prospettiva inedita su un decennio di creazione e restituiscono una panoramica completa dell'universo che ha fatto di Gregory Crewdson una delle figure fondamentali della fotografia. Questa trilogia è preceduta da Fireflies (1996), una serie essenziale per cogliere il rimestio delle correnti che si agitano in profondità nell'arte di Gregory Crewdson. Jean-Charles Vergne, critico d'arte, editore di libri d'arte e curatore, è direttore del FRAC Auvergne dal 1996. Interessato ad artisti come Luc Tuymans, Albert Oehlen, Richard Tuttle, David Lynch, Darren Almond, Eberhard Havekost, Raoul de Keyser, Katharina Grosse, ha curato oltre 150 mostre. È stato membro della commissione del Fond national d'art contemporain - Fnac dal 2008 al 2011. Postfazione di Antonio Carloni.

I grandi maestri della fotografia mondiale dai primi del Novecento a oggi Photos! offre un viaggio straordinario nella storia della fotografia attraverso le opere più emblematiche di grandi maestri internazionali e spagnoli appartenenti alla Collezione Julián Castilla, presentata per la prima volta in Italia in occasione dell'esposizione bolognese. Si distinguono, fra gli altri, fotografi internazionali come Alfred Stieglitz, Man Ray, Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, André Kertész, Alberto Korda e Robert Doisneau, ma anche artisti spagnoli del calibro di Carlos Saura, Ramón Masats, Oriol Maspons, Isabel Muñoz, Cristina Garc& Questa collezione privata, considerata come una delle più importanti d'Europa, appartiene a Julián Castilla, noto collezionista d'arte spagnola, e abbraccia più di un secolo, dalla nascita della fotografia moderna agli inizi del XX secolo, passando per la creazione dell'agenzia Magnum, la fondazione del fotogiornalismo e la progressiva importanza assunta dalla fotografia di moda, per arrivare al presente, con le sfide contemporanee dell'arte della fotografia nell'era digitale del XXI secolo. Dal 2011 parte della collezione è depositata presso il Museo de Arte Contemporáneo de Villanueva de los Infantes, una località della provincia spagnola di Ciudad Real. La collezione di fotografie di Julián Castilla si spinge oltre, assurgendo a prezioso testimone con cui immergersi nei movimenti artistici fondamentali dell'arte moderna e contemporanea. Dalle avanguardie del surrealismo e dell'astrattismo, passando per il movimento pop e l'arte concettuale, e fino all'arte digitale. Il volume è suddiviso in nove sezioni tematiche che partono da una selezione di opere dei maestri delle avanguardie degli anni Venti a Parigi e New York per arrivare alle ultime tendenze contemporanee: Avanguardie a Parigi e a New York; La mano dell'uomo. Guardare le persone; Magnum Photos; Infanzia; Persone di altri paesi; La fotografia di moda "Shooting with style"; La Spagna in bianco e nero dagli anni '30 agli anni '60; La Spagna moderna, dalla movida (anni '80) al XXI secolo; Le sfide nell'era digitale.

Dalle esposizioni prodotte per i Festival di Fotografia Europea dal Centro Studi e Archivio della Comunicazione - la cui Sezione Fotografia, nata dall'intuizione di Arturo Carlo Quintavalle e di un gruppo di studenti e storici dell'arte, conserva la maggiore raccolta pubblica di immagini fotografiche originali del Paese - sono nati i percorsi nella fotografia d'autore e in quella d'archivio qui documentati che suggeriscono altrettanti tragitti nella fotografia di ricerca, incentrati rispettivamente sul Paesaggio, sulla Figura, sull'Oggetto, in una scansione "di scala" sempre più analitica dello sguardo della fotografia: una delle possibili griglie di lettura per orientarsi in un esteso universo di immagini e di oggetti culturali complessi. Il paesaggio, nozione ripensata nel corso degli anni sessanta e settanta. Lo spazio intimo e pubblico, teatro del cambiamento sociale e della sua percezione. L'oggetto come simbolo e merce del desiderio tra avanguardie e consumo.

L'esposizione è una sfida importante con cui ogni fotografo deve misurarsi, sia che voglia immortalare paesaggi urbani, sia che preferisca concentrarsi sul cielo di notte oppure sulla natura in movimento. In questo volume, il pluripremiato fotografo Antony Zacharias spiega le tecniche per creare scatti spesso nemmeno visibili agli occhi. Attraverso le immagini tra cui molti scorci delle più belle città del mondo, questo libro vi svelerà tutti i trucchi per utilizzare l'esposizione come strumento per dare libero sfogo alla vostra creatività.

Il catalogo è pubblicato in occasione della mostra, a cura di Filippo Maggia, allestita presso il Magazzino delle Idee di Trieste dal 18 febbraio all'11 giugno 2023. Seydou Keïta e Malik Sidibé, nati da famiglie modeste, hanno iniziato la loro carriera in piccoli studi fotografici nella capitale del Mali, Bamako e con il loro obiettivo hanno immortalato anni cruciali per la storia del paese e dell'Africa. Di una generazione successiva, è Samuel Fosso: anche lui ha iniziato la propria carriera in un piccolo studio fotografico ma la sua opera non si compone come quella di Keïta e Sidibé di ritratti di altri, ma ritrae sé stesso interpretando ironicamente gli stereotipi dell'Africa vista con gli occhi dell'Occidente o in cui reincarna, a partire da Malcolm X, le figure simbolo dell'emancipazione dei neri. Il percorso che si dipana nel libro è una sorta di "staffetta", come la definisce il curatore, che permette di coprire un lungo periodo di storia africana: il filo narrativo tracciato da Keïta alla fine degli anni Quaranta ha poi trovato un suo percorso evolutivo che corre di pari passo con la progressiva conquista e manifestazione di una consapevole 'africanità', segno distintivo che leggiamo nei loro ritratti, che non casualmente divengono autoritratti in Fosso.

Ecco a voi le magnifiche farfalle monarca e le spigolose cavallette verdi australiane, la testa inclinata di una mantide religiosa e le delicate ali di una libellula... Stavolta Joel Sartore ha deciso di immortalare in raffinati ritratti insetti, ragni e creature imparentate, che volano, scavano, brulicano, strisciano e condividono con noi il pianeta. Questi stravaganti e incredibili animali, con gli occhietti che a volte guardano dritto in camera, sono una parte del progetto Photo Ark di National Geographic, la missione pluridecennale di Sartore di fotografare tutte le specie animali in cattività del pianeta. Il volume vi guiderà in un mondo che spesso ci lasciamo sfuggire, con racconti e didascalie istruttive sulla natura di questi animali e un invito da parte del fotografo stesso: «La prossima volta che vedete mosche o formiche, non scacciatele via e non calpestatele. Date invece un'occhiata più da vicino per capire quanto siano straordinarie queste piccole creature, perfezionate in milioni di anni e che lavorano duro per preservare l'equilibrio del pianeta». Non vi resta che lasciarvi guidare dalla curiosità e godervi queste fotografie, nonché le affascinanti creature che immortalano.

La morte della Dalia Nera Elizabeth Short, l'arresto del mostro di Milwaukee Jeffrey Dahmer, le ventiquattro personalità di Billy Milligan, il sorriso inquietante di John Gacy, il killer clown. Quali drammatiche, feroci storie sono racchiuse dietro le fotografie più famose della cronaca nera mondiale? Prefazione Stefano Nazzi.

In questo volume sono pubblicate le trenta storie vincitrici dell’edizione World Press Photo del 2023, selezionate da giurie specializzate e indipendenti a livello regionale e globale tra 60.448 immagini e Open Format proposte. Le opere premiate, che offrono una varietà di prospettive da tutto il mondo, testimoniano gli eventi che hanno caratterizzato l’anno appena trascorso e documentano i problemi che la nostra società deve affrontare. Riconoscendo l’importanza del fotogiornalismo e della fotografia documentaria in un momento in cui la verità è contestata e spesso messa in discussione, le immagini premiate raccontano storie coraggiose e presentano spunti di riflessione preziosi: dalle zone di guerra, alla lotta per i diritti civili, dall’emancipazione politica, all’impatto visibile della crisi climatica. Le immagini vincitrici, realizzate da fotogiornalisti e fotografi di tutto il mondo, mettono in luce in questa pubblicazione toccante, e talvolta sconvolgente, il meglio del giornalismo visivo dell’ultimo anno. Suddivise in categorie tematiche, raccontano la profondità e la complessità del lavoro fotogiornalistico, mettendo il lettore a diretto contatto con fotografi e immagini sensazionali, a volte scioccanti, che raccontano il nostro mondo. Una raccolta di opere formidabili, provocatorie e coraggiose nell’ambito del fotogiornalismo e della fotografia documentaria, in un nuovo formato.

La fotografia è molte più cose di quanto si immagini e gli studi fioriti tra gli anni Settanta del secolo scorso e il momento attuale hanno messo in evidenza l’estrema complessità di questo medium tecnologico che in meno di duecento anni dalla sua invenzione ha rivoluzionato il mondo dell’arte e della comunicazione. Le innumerevoli questioni della fotografia (testimonianza, memoria, origini del medium, rapporto con l’arte e con la tecnologia, documento e interpretazione, analogico e digitale, archivio, museo, mercato, linguaggio, social media) vengono discusse in questa pubblicazione in una conversazione tra Roberta Valtorta, critico e storico della fotografia, e Marisa Dalai Emiliani, storica dell’arte. Il libro propone anche un importante saggio visivo realizzato da Mario Cresci, artista multimediale.

Chrono, riferito allo spazio-tempo, e orama, riferito alla vista, sono i cardini di quella che sarà una delle più importanti mostre di fotografia di questo terzo decennio del XXI secolo. Basata su un’acquisizione senza precedenti da parte della Pinault Collection dell’archivio di Condé Nast, Chronorama raccoglie circa 400 stampe e illustrazioni d’epoca originali – alcune mai viste prima d’ora – scattate tra il 1910 e il 1979. Il volume presenta i lavori di oltre 150 artisti internazionali, tra cui Irving Penn, Helmut Newton, Edward Steichen, Cecil Beaton, Diane Arbus. Attraverso le produzioni dei più influenti fotografi e illustratori, le riviste del leggendario gruppo editoriale, Vogue, Vanity Fair, House & Garden, GQ e Glamour, hanno ridefinito l’estetica del loro tempo. Ripercorrendo gli eventi clou, i fenomeni sociali, le personalità illustri, i sogni e le tragedie del XX secolo, l’archivio Condé Nast si fa testimone dell’età d’oro della fotografia: nella preziosa galleria di scatti, ritroviamo i ritratti di Charlie Chaplin, James Joyce, Henri Matisse, Ernest Hemingway, Mick Jagger, Catherine Deneuve, Karl Lagerfeld, Richard Avedon e molti altri. Matthieu Humery – curatore della mostra – e Andrew Cowan – consulente storico – nell’introduzione affermano come l’opera fornisca una panoramica definitiva sul secolo scorso: attraverso la condivisione di un «immaginario collettivo, la mostra rende eterne e in alcuni casi offre una seconda vita alle opere». Il catalogo, organizzato cronologicamente, accosta all’apparato iconografico i testi critici firmati da storici della fotografia e studiosi, che introducono ciascuna decade e raccontano i retroscena delle immagini selezionate. Dopo l’intervento di François Pinault, lo straordinario contributo di Anna Wintour, che riflette sulle scelte coraggiose che l’arte deve prendere per tradurre il proprio tempo in immagini – e la prefazione del Direttore di Palazzo Grassi Bruno Racine, seguono i testi inediti di Sylvie Aubenas, Nancy Barr, Susanna Brown, Philippe Garner, Matthieu Humery, Paul Martineau, Rubin Muir, Ivan Shaw.

Una guida alla fotografia di architettura, adatta sia per i fotografi dilettanti sia per i professionisti che vogliono ampliare le proprie competenze in questo campo. Usando immagini di progetti reali, l'autore vi insegnerà a ottenere eccellenti scatti di edifici, sia all'esterno che all'interno, a scegliere la giusta attrezzatura e a usarla al meglio, a lavorare con la luce ambientale e artificiale e a comporre perfette inquadrature.

Lo sguardo di un maestro della fotografia italiana e internazionale attraverso oltre 120 fotografie inedite. “Cose mai viste. Fotografie inedite” di Gianni Berengo Gardin è il 263esimo libro del grande protagonista della fotografia italiana, che racchiude una serie di immagini “nuove”, mai viste prima, riemerse dopo un attento lavoro di selezione; fotografie all’epoca rimaste indietro, sepolte da altre o più semplicemente trascurate in quel momento. Suddiviso in due atti - con fotografie che spaziano dall’indagine sociale alla vita quotidiana, dal mondo del lavoro fino all’architettura e al paesaggio - è arricchito da un testo dello scrittore Maurizio Maggiani. Immagini che vanno dal 1954 al 2019 e che ci fanno girare il mondo con alcuni sguardi inediti sulla realtà. Un libro che conferma ancora una volta Berengo Gardin come maestro del bianco e nero che ha costruito un patrimonio visivo unico dell’Italia dal dopoguerra a oggi (e non solo del nostro Pese), caratterizzato da un’assoluta coerenza nelle scelte linguistiche e da un approccio “artigianale” al suo lavoro. Nelle inchieste sociali, così come nei paesaggi, o nelle ricognizioni sul mondo del lavoro, il soggetto principale della sua ricerca è sempre l’uomo, colto nella relazione emotiva, psicologica e profonda con l’ambiente che lo circonda. Interprete sensibile e partecipe, Gianni Berengo Gardin ha osservato tante volte il mondo tornando e ritornando a visitare luoghi che col tempo sono diventati familiari al suo sguardo e alla nostra memoria. Con questo sorprendente volume, Gianni Berengo Gardin ci presenta istantanee che, una volta in più, rivelano il tocco geniale del grande artigiano, la sapienza del narratore attento che riesce sempre a meravigliare con la forza e la poesia del suo sguardo.

La figura e l'opera di Lisetta Carmi, la grande interprete della fotografia sociale nella seconda metà del Novecento recentemente scomparsa Lisetta Carmi (1924-2022) è stata una delle interpreti più significativa del panorama fotografico italiano; in vent'anni di intensa attività - negli anni sessanta e settanta - ha documentato, con sguardo coraggioso e anticonformista, le realtà più difficili ed emarginate del suo tempo. Curato da Giovanni Battista Martini - amico di Lisetta Carmi e curatore dell'archivio della fotografa - e pubblicato a corredo della mostra torinese, Lisetta Carmi. Suonare forte è un tributo postumo all'importante autrice, recentemente scomparsa, che con le sue immagini ha saputo proporre un'analisi lucida di due decenni cruciali del secolo scorso. I suoi reportage colpiscono per forza poetica e valore documentaristico: dalle condizioni dei lavoratori del porto di Genova alle scene di parto, dallo stabilimento dell'Italsider alla comunità di travestiti nell'antico ghetto ebraico di Genova, dall'alluvione di Firenze alla guerra civile in Irlanda, fino ai ritratti di artisti e intellettuali quali Ezra Pound, Edoardo Sanguineti, Jacques Lacan, Lucio Fontana, Leonardo Sciascia, Claudio Abbado. Nata a Genova nel 1924 in un'agiata famiglia borghese, Lisetta Carmi a causa delle leggi razziali è costretta nel 1938 ad abbandonare la scuola e a rifugiarsi con la famiglia in Svizzera. Tornata in Italia, prosegue lo studio del pianoforte e, dopo il diploma, si dedica all'attività di concertista fino al 1960. In questi anni si avvicina in modo casuale alla fotografia accompagnando l'amico etnomusicologo Leo Levi in Puglia, quindi esegue per il Teatro Duse di Genova una serie di reportage nei quali descrive, con sguardo personalissimo, le diverse realtà e problematiche sociali della città, come, ad esempio, gli ospedali, l'anagrafe, il centro storico e le fogne cittadine. Della sua carriera di fotografa degli anni successivi si ricordano l'ampia indagine fotografica sul porto di Genova, il reportage sulla Sardegna, il libro d'artista Métropolitain con gli scatti realizzati nella metropolitana parigina e il suo progetto più noto, che nel 1972 diventerà tra molte difficoltà un libro, dedicato ai travestiti genovesi, oltre alla serie di ritratti di artisti e personalità del mondo della cultura del tempo.

"I Wanna Be An Influencer" è un viaggio fotografico che disegna la nuova geografia dei luoghi attraverso le scelte degli influencer, categoria sociale che nell'ultimo decennio è divenuta riferimento indiscusso, per veicolare qualsiasi tipo di prodotto, dall'abbigliamento alla cosmetica, fino al viaggio e alle nuove mete da visitare. In particolare, la riflessione dell'autore, si concentra su uno degli aspetti caratterizzanti il turismo al tempo di Instagram: destinazioni già rinomate o completamente ignote diventano mete ambite, che inducono una massa di aspiranti influencer, ad adottare stessi atteggiamenti e comportamenti perché e purché risultino instagrammabili. Un caleidoscopio di immagini, realizzate dietro le quinte di una vera e propria comunità che punta alla condivisione immediata di esperienze nei vecchi e nuovi "altrove", di luoghi il cui significato è cambiato. Pose improbabili e inquadrature ardite vengono riprese dall'occhio attento e divertito dell'autore. Accompagnano le fotografie i testi di esperti del settore (Alice Avallone, Vincenzo Nocifora, Benedetta Donato), che analizzano un fenomeno del nostro tempo, al quale assistiamo quotidianamente sul social network Instagram.

La fotografia è un fenomeno culturale complesso che attraversa diversi mondi sociali. Le immagini fotografiche sono prodotte, interpretate, e assumono un carattere distintivo proprio in virtù della loro appartenenza a una cultura condivisa. Il valore artistico della fotografia, ormai decretato, è anch'esso il frutto di un processo sociale centrale nei campi creativi, la legittimazione artistica. L'indagine ripercorre la storia del riconoscimento artistico del medium in Italia e analizza, con gli strumenti della sociologia della cultura, i processi contemporanei di produzione, distribuzione e consumo dell'arte fotografica. Integrando metodi di ricerca diversi, tra cui le interviste, l'osservazione etnografica e l'analisi di fonti storiche, lo studio mostra che la fotografia d'arte è stata e continua a essere praticata da fotografi e artisti appartenenti a mondi sociali diversi. La costruzione del valore artistico ed economico delle immagini fotografiche è influenzata dall'esistenza di sistemi distributivi che adottano schemi valutativi distinti. Analizzando lo scenario contemporaneo, il volume mette in luce la complessità, le tensioni e le resistenze tuttora in gioco nel confronto tra l'identità storica e contemporanea della fotografia.

La fotografia è il linguaggio della contemporaneità: con la sua immediatezza fornisce una modalità di comunicazione che tutti possono fruire. Il volume "Le 100 fotografie che hanno cambiato il mondo" ne racconta l’evoluzione, prendendo avvio dai primi esperimenti ottocenteschi di Niépce per arrivare al “miliziano” di Robert Cap, esplora le immagini poetiche di Julia Margaret Cameron, per tuffarsi poi negli Untitled Film Stills di Cindy Sherman, attraversa gli immensi paesaggi di Ansel Adams e sfocia nei colori surreali utilizzati da Richard Mosse per rappresentare la guerra civile in Congo. La selezione dà però ampio spazio anche a significativi avvenimenti del ventunesimo secolo: James Nachtwey e il tema dell’attacco alla democrazia, Tim Hetherington e le conseguenze psicologiche di un soldato in guerra, Andreas Gursky e il fenomeno del consumismo di massa e, infine, Lynsey Addario e la guerra nell’est dell’Europa. Scopriamo così di abitare un mondo governato da situazioni sospese che siamo invitati ad approfondire. La fotografia – e dunque questo libro - ci offrono uno strumento per riflettere.

Focus on Future è un racconto per immagini dedicato agli obiettivi di sviluppo sostenibile dell’Agenda ONU 2030, sottoscritta il 25 settembre 2015 da 193 Paesi, tra cui l’Italia. Gli autori dei lavori presentati nel volume sono fotografi che gravitano nell’area di Torino, per esplorare anche l’interazione fra una comunità cittadina e la dimensione dei valori globali. Sono fotogiornalisti, artisti, fotografi di architettura, di still life, di ritratti. Tra loro ci sono vincitori di premi prestigiosi, con lavori esposti in gallerie e musei e pubblicati su prestigiose testate nazionali e internazionali; altri sono giovani che si affacciano alla professione. Le fotografie selezionate fanno parte di progetti più ampi e ogni sequenza è una finestra su un mondo. Un percorso che attraversa storie, luoghi, destini, a comporre un’antologia delle grandi sfide che si pongono oggi di fronte all’umanità.

Fin dagli anni '70, Paola Mattioli esplora le possibilità filosofiche e politiche del linguaggio fotografico. In questo volume, l'autrice riflette sull'arte del ritratto partendo da alcune delle sue opere più rappresentative: dall'ultimo ritratto di Giuseppe Ungaretti passando per gli albini africani, fino al celebre lavoro di indagine condotto sulla realtà operaia italiana odierna. In appendice è presente un testo dedicato a Ugo Mulas, grande maestro dell'autrice. Un commovente ricordo che ha inizio con il loro primo incontro, quando Mattioli era ancora una studentessa universitaria, e che prosegue con alcune delle più significative esperienze sul campo. Postfazione di Raffaella Perna.

Ogni momento di vita della fotografia è frutto di una relazione e il significato dell'immagine non va cercato rigidamente all'interno del proprio perimetro, ma nella relazione che il testo visivo nel suo insieme intrattiene con il lettore, che lo interpreta in funzione delle proprie competenze enciclopediche, del testo che accompagna la foto e del contesto in cui è inserita. Per districarci nel mondo polisemico della fotografia che abbiamo di fronte agli occhi, si rende necessario un testo verbale, un titolo, una didascalia, una frase che attivi dei percorsi interpretativi basati su quelle che Umberto Eco chiama "inferenze di sceneggiatura", ovvero basandosi su attese e contesti che il lettore immagina in base alla propria enciclopedia. Con la medesima foto si possono dire tante cose di senso anche opposto andando ad aprire di conseguenza un problema: se la medesima foto può dire cose diverse, può non dire la verità? La risposta potrebbe scardinare una falsa certezza vecchia quanto la fotografia, che vorrebbe l'immagine fotografica come verità assoluta, come traccia del reale o, per dirla con Peirce, come indice. Prefazione di Vincenzo Idone Cassone. Postfazione di Marina Sozzi.

Le straordinarie immagini di uno dei grandi maestri della fotografia di paesaggio in bianco e nero Da quasi cinquant'anni gli Alberi sono un elemento caratterizzante dell'opera di Michael Kenna, fotografo noto e riconosciuto per la virtuosità della sua tecnica. Kenna tributa loro un omaggio particolare scegliendoli come soggetto delle proprie fotografie, dove ne evidenzia l'essenza di legame fondamentale tra terra, cielo, aria e luce, silenzi e riflessi. L'artista celebra questi grandi signori della natura in immagini pittoriche, oniriche, grafiche, romantiche, velate, poetiche. Instancabile viaggiatore, ha attraversato il mondo, dalla Francia alla Nuova Zelanda, dagli Stati Uniti al Giappone, per immortalare alberi e foreste. Dai boschi più fitti alle chiome più rarefatte e piene di luce, agli alberelli isolati nella loro maestosità in paesaggi dal biancore idilliaco, la bellezza ci viene offerta attraverso le numerose specie fotografate e la variabilità delle composizioni. Rigorosamente in bianco e nero, le immagini si dispiegano tra le stagioni, ritmando e scandendo il tempo. Michael Kenna è uno dei maggiori fotografi di paesaggio del nostro tempo, tra i pochi a scattare esclusivamente in analogico su pellicola. Nato in Inghilterra nel 1953, dopo avere a lungo sognato di dedicarsi alla pittura, studia fotografia al London College of Printing; alla fine degli anni settanta si trasferisce a San Francisco dove inizia a lavorare con Ruth Bernhard (1905-2006), sensibile fotografa di nudi e di nature morte, della quale diventa assistente, maturando una grande esperienza in camera oscura. Fin dagli esordi, Michael sceglie il paesaggio come tema elettivo delle sue fotografie, avviando una infaticabile ricognizione sugli infiniti volti segreti del pianeta, e arrivandone a toccare tutti i continenti; gli esiti di questi viaggi e soggiorni, determinati da commissioni o da scelte personali, sono stati pubblicati in monografie e cataloghi di mostre a lui dedicati.

Maurizio Galimberti prosegue la sua riflessione sul senso della storia e del tempo con un nuovo lavoro sulla tragedia di Marcinelle Una mattina d'agosto Maurizio Galimberti ha rivolto l'obiettivo della sua macchina fotografica verso l'alto e per alcune ore ha ripreso lo stesso soggetto, che tuttavia è cambiato per ognuno dei 262 scatti. 262 come le vittime della catastrofe avvenuta la mattina dell'8 agosto 1956 nella località mineraria belga di Marcinelle e che provocò la morte di 262 minatori. Fotografo e artista di fama internazionale, Maurizio Galimberti è celebre per lavorare quasi esclusivamente con la Polaroid, con la quale ha sviluppato una personalissima tecnica di manipolazione con cui scompone e ricompone l'immagine. In questo nuovo libro, Galimberti si confronta con la grande tragedia di Marcinelle, 66 anni dopo: il suo "riutilizzo" delle immagini è esplicativo. Scava dentro il già fotografato per trovarvi un senso rimasto laterale, un'anima dentro il corpo meccanico. Contestualizza. Storicizza. E così scorrono le immagini: una donna che rimase orfana da bambina, il volto di un'altra dietro le sbarre che la separano da una tremenda verità, le bare allineate, il manifesto per il reclutamento degli operai nelle miniere, le baracche dei minatori, il tremendo ascensore per inabissarsi nel profondo della terra. E, infine, il ritratto di Urbano Ciacci, l'ultimo sopravvissuto alla tragedia. Maurizio Galimberti (Como, 1956) è attivo sulla scena artistica internazionale da più di trent'anni, conosciuto in tutto il mondo, oltre per la caratteristica poetica dei suoi progetti, anche per i ritratti di star come Lady Gaga, Robert De Niro, Johnny Depp e Umberto Eco, e per aver realizzato pubblicazioni e mostre site specific su New York, Parigi, Milano, Roma e Venezia. È stato testimonial mondiale di Polaroid International e oggi è considerato dalla critica un instant artist più che esclusivamente un fotografo.

Dal parco hi-tech della Silicon Valley a villaggi sperduti nei più remoti angoli del globo, questo splendido volume racconta come, da oltre un secolo, le donne plasmano il mondo. Dagli archivi National Geographic, oltre 400 fotografie mostrano ogni aspetto dell'essere donna nel passato e nel presente: storiche suffragette e contemporanee attiviste, donne soldato e ballerine, cowgirl e scienziate, attrici, modelle, dottoresse, madri, figlie rappresentano, pagina dopo pagina, un universo al femminile variegato, ricchissimo e resiliente. Le immagini si accompagnano a interviste ad alcune grandi donne della contemporaneità - da Oprah Winfrey a Nancy Pelosi - a ulteriore testimonianza che il futuro è donna.

L'opera si prefigge il compito di approfondire il concetto di fotografia nei suoi vari aspetti, creativa, semplice, o dato personale, nonché il controverso rapporto tra l'attività del fotografo, il pubblico e le singole persone. Ciò tenendo presente la legge fondamentale sul diritto d'autore n. 633 del 1941 e la normativa europea che, sia pure marginalmente, è venuta ad incidere sui doveri del fotografo, e quindi esaminare gli aspetti della fotografia come opera d'arte, manifestazione del pensiero, e documentazione dell'essere dell'uomo e della vita ordinaria in un determinato tempo storico.

"Maschile? Femminile? Dipende dai casi. Neutro è il solo genere che mi si addice". Arte e vita non possono avere un genere, non possono essere rinchiuse entro binari stabiliti. Il suo nome è Lucy Renée Mathilde Schwob, nata a Nantes nel 1894 da una famiglia ebraica, ma sceglie di chiamarsi Claude Cahun. Oggi nessuno farebbe più caso alla fluidità di genere della fotografa e scrittrice surrealista che lo stesso André Breton definiva "lo spirito più curioso di questi tempi". Ma nei primi anni del Novecento, Lucy/Claude è una pioniera. Il primo autoritratto è del 1913, quando ha solo 19 anni. Ne seguirà una lunga serie, nella quale esplorerà i temi fondamentali della sua ricerca artistica: travestitismo, nudità, identità fluida in continua evoluzione, ricerca tecnica ed estetica, magnetismo delle immagini, composizioni artistiche potenti con al centro il corpo e la sua plasticità. Tutta l'opera di Cahun è un continuo tentativo di giustificare il suo esserci come individuo che si pone al di fuori delle categorie. Presenza fondamentale nella Parigi surrealista, dove frequenta assiduamente André Breton, Tristan Tzara, Salvador Dalì, Man Ray, Philippe Soupault, Henri Michaux, Pierre Albert Birot, Roger Caillois, George Bataille, non smetterà mai di fotografare e fotografarsi anche quando, insieme alla compagna e musa ispiratrice Suzanne Malherbe (in arte Marcel Moore), lascerà la capitale francese per sfuggire alle persecuzioni naziste, ritirandosi sull'Isola di Jersey. Qui si impegna attivamente nella Resistenza, appena la Germania prende in controllo delle Isole del Canale, tanto da essere arrestata e condannata alla pena capitale, da cui si salva solo grazie all'armistizio del 9 maggio 1945. La prigionia ha però minato la sua salute, e morirà nel 1954. Questo inedito volume della storica collana FotoNote, nella rinnovata veste grafica, presenta una ricca selezione delle immagini più significative della grande fotografa, fonte di ispirazione per autrici come Cindy Sherman e Nan Goldin, accompagnate da un'introduzione di François Leperlier e da note biografiche e bibliografiche aggiornate. 

Nato in Sicilia, nei 1943, studia Lettere all'Università prima di dedicarsi alla fotografia. L'incontro con Leonardo Sciascia, del 1963, inaugura un periodo intenso e fecondo di creazione ed elaborazione fotografica intorno ai temi della sua terra e, in genere, del passato e della memoria. Da allora, il percorso di Scianna, fotografo, giornalista, scrittore, acuto interprete della realtà, è denso e avvincente. Primo italiano a entrare a far parte di Magnum Photos, il suo sguardo racconta e interpreta le ansie, i timori e i sogni del nostro tempo.

Un volume fotografico dedicato alla celebre residenza nobiliare suburbana del Cinquecento. Frutto di una apposita campagna fotografica realizzata da Massimo Listri, "Villa Margon. Il Rinascimento a Trento" illustra la storia, l'architettura e i tesori d'arte della celebre residenza del XVI secolo. Piccolo gioiello fra le dolci colline che affacciano su Ravina di Trento, questa dimora estiva nobiliare venne costruita dalla famiglia bergamasca dei Basso alla metà del Cinquecento. Una struttura a pianta rettangolare ispirata alle ville veronesi del Rinascimento e corredata da una cappella della Natività di Maria Vergine in stile neogotico, un giardino all'inglese, una riserva naturale di 135 ettari e un grazioso rustico merlato con torretta. Un luogo di villeggiatura i cui interni sono affrescati da sequenze pittoriche che raffigurano un ciclo dei dodici mesi, una serie di scene dell'Antico e Nuovo Testamento e le imprese militari dell'imperatore Carlo V. Immersa nei vigneti da cui nascono le bollicine Ferrari Trentodoc, Villa Margon è oggi di proprietà della famiglia Lunelli e sede di rappresentanza del Gruppo Lunelli. La Villa, riportata all'antico splendore dalla nuova proprietà, è aperta al pubblico e offre un originale viaggio storico-artistico ed enogastronomico.

Il libro celebrativo dei 100 anni dalla fondazione della storica multinazionale italiana Nei primi anni venti, Oronzio De Nora era un giovane ricercatore del Politecnico di Milano nel campo dell'elettrochimica. Stava sperimentando una nuova cella elettrolitica e si era tagliato un dito; aveva immerso la ferita nella soluzione ossigenata ed elettrizzata dell'impianto e aveva inventato l'Amuchina. Un pizzico di fortuna, un tocco di genio. Nel corso del Novecento, l'azienda De Nora è diventata leader mondiale nella produzione di cloro e soda; ha sviluppato centinaia di brevetti e si è affermata come uno dei motori fondamentali per lo sviluppo industriale. Dopo un secolo di storia e tre generazioni De Nora, l'azienda è oggi un gruppo multinazionale quotato in Borsa che guarda al futuro sostenibile del pianeta, alla riconversione energetica e alla decarbonizzazione. C'è sempre una cella elettrolitica alla base delle più avanzate produzioni di idrogeno verde e dei trattamenti per la purificazione delle acque. De Nora. Racconti da un secolo di vita narra questa entusiasmante corsa verso il futuro. Luca Masia l'ha scritto in forma di racconti, con un taglio narrativo che cattura fin dalle prime pagine. Luca Campigotto - uno dei fotografi italiani più apprezzati della scena internazionale - ha documentato con visione d'artista la complessa realtà De Nora: laboratori di ricerca, grandi produzioni e tecnici specializzati. Parole e immagini di un cammino fatto di ingegno e dedizione, scoperte scientifiche e innovazioni tecnologiche. Le persone sempre al centro dell'impresa.

Il linguaggio delle parole e quello delle immagini si intrecciano nei dialoghi che Tiziana Bonomo ha avuto, insieme a Domenico Quirico, con alcuni dei fotografi del panorama italiano. Personalità diverse, ma accomunate dall'attenzione verso alcune tematiche, la testimonianza in prima linea, la sensibilità, il dubbio, la ricerca. Il primo numero della collana "Intrecciare parole e immagini" ha come protagonista il celebre fotoreporter Ivo Saglietti con il quale è iniziato il racconto sulle "Rivoluzioni". Guardare le foto di Saglietti e leggere le parole di Quirico è fare un salto nell'umanità che combatte senza esitazione e affronta la fatica e il dolore di un destino avverso.